Как научиться понимать искусство и самого себя

Содержание

Как понять современное искусство. 6 шагов от ненависти до любви

Как научиться понимать искусство и самого себя

Вы любите Тициана, Рубенса и Моне. Но ведь пора и в 20 век, и в 21-ый заглядывать. А там столько пугающего и непонятного. Вы вроде и чувствуете, что позиция «я сам такое могу нарисовать» в корне не верна. Но вот почему?..

Я поделюсь своим опытом, как я прошла путь от состояния «мне интересно, но НЕ понимаю» до «вот это да!» Пройдите 6 шагов, которые помогут Вам понять и полюбить современное искусство.

Шаг 1. Осознайте, чем «дышит» современное искусство

Этот шаг ни в коем случае пропускать нельзя. Пока Вы не осознаете, чем «дышит» современное искусство, все остальное бесполезно. Даже если Вы посетите 100 выставок, Вы каждый раз будете натыкаться на внутренний барьер «Какая ерунда/ужас/несусветица».

Итак, это важно: современное искусство – НЕ про копирование реальности. Оно про отклик на эту реальность и эмоции самого художника.

Эта тенценция началась ещё с импрессионизма (60-70-ые года 19 века). Именно тогда изобрели фотоаппарат. Роль копирования реального мира на себя взяла фотография. Живописи это было уже ни к чему. И понеслось…

Экспрессионизм, фовизм, кубизм, абстракционизм, поп-арт…

На полотнах этих направлений нет реального мира. А только мир, придуманный самими художниками. Это их эмоции, их послания.

А дальше следует еще одно правило.

Отодвиньте понятие эстетики на второй план.

Когда художник высказывается, это не всегда эстетично. Потому что высказывание не всегда о розах и красивых дамах.

Итак, в работах художников 20-21 века ищите:

А – отклик на происходящее в мире

Самый яркий пример – Банки супа «Кэмпбелл» Уорхола. Самый прямой отклик на общество потребителей

Энди Уорхол. Банки супа «Кэмпбелл». Полимер, ручная печать. 32 картины 50х40 каждая. 1962 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Б – внутренний мир самого творца

Здесь Фрэнсис Бэкон – непревзойдённый мастер. Его внутренний мир ужасен и уникален. Все из детства, как говорят фрейдисты.

А ещё современные художники – это исследователи. Им важно изобрести что-то, чего не было до них. Если публика ошарашена, это хорошо. 

Когда-то всех ошарашил Ван Гог, потом Матисс. Чуть позже всем досталось от Поллока и так далее.

В многомиллиардном мире уникальность – на вес золота. Если художник творит в точности, как Матисс или Поллок, он не станет известным и богатым. Поэтому полотна современных художников  зачастую огромны – это снижает риск копирования.

Итак, в работах наших современников всегда есть уникальность, а главное – смысл. Причём этот смысл не лежит на поверхности, а закодирован. Иначе это было бы не искусство, а рекламные плакаты.

Поэтому важны шаги 3-6. Без них эти коды Вам не станут доступны запросто. А пока, чтобы ещё ближе подступиться к современному искусству, сделайте шаг 2.

Шаг 2. Начните с компромисса

Даже если Вы усвоили шаг 1, вряд ли Вы тут же полюбите того же Бэкона всей душой. Я сама до сих пор закрываю случайно открытую работу этого художника, зажмурив для надежности глаза.

Найдите компромисс. Есть современные художники, которые закладывают смысл в довольно эстетичной форме. Тот же Бэнкси делает это часто с изяществом. Ведь его девочка с шариком так хороша!

Бэнкси. Надежда всегда есть. 1991 г. Лондон

Таких современных художников довольно много в галерее Саатчи в Лондоне. Зайдите на ее сайт и наслаждайтесь canvas.saatchiart.com

Шаг 3. Узнайте художника

Биографии это хорошо, но лучше читать интервью художников. Так Вы сразу поймёте не только смысл работ, но и характер мастера. И тогда смотреть его произведения становится гораздо интереснее.

Возьмём, например, работы Recycle Group.

Recycle Group. Контейнер. Медитация. 2017 г.

Их работы я поняла, лишь прочитав несколько интервью с художниками (о них я писала в соц. сетях).

И упражнение со звездочкой: Сходите на встречу с самим художником и задайте ему вопросы. Такие встречи часто организуют музеи, проводя персональные выставки. Как правило, художники охотно комментируют свои работы.

Проверьте себя: пройдите онлайн-тест «Насколько Вы разбираетесь в живописи?»

Шаг 4. Сходите на выставки

Наметьте для посещения 3 выставки современного искусства (если нет в вашем городе, просмотрите репродукции 3х художников)

И обязательно сходите в музей «Гараж». Там ещё и атмосфера прекрасная.

Вы можете следить за всеми выставками благодаря видео-блогу “Oh! My art” .

Шаг 5. Правильно организуйте посещение музеев

Не пытайтесь охватить все работы в музее. Если Вы идёте смотреть постоянную экспозицию, выберите заранее 5-7 работ, которые хотите увидеть. Если не выставку – ориентируетесь на свои ощущения. Постойте у тех работ, которые вызвали у Вас эмоции.

Кэрин Джурик. Сила воли. 2014 г. Частная коллекция

Читайте таблички у каждой выбранной работы. Очень часто название раскрывает замысел художника. Ещё важно, когда создана работа (и на какие события откликнулся художник) и из какой он страны.

В 2010 году Ай Вэй Вэй наполнил огромный зал Тэйт Модерн (Лондон) семечками. Каждая из них (100 млн) сделана вручную из глины! Когда Вы осознаете, что художник из Китая, работа читается особенно ясно, согласитесь.

Ай ВэйВэй. Семена подсолнечника. Инсталляция в Тейт Модерн в Лондоне, 2010 г.

Шаг 6. Найдите проводника в мир современного искусства

Подпишитесь на блогера, который рассказывает о современном искусстве легко и доступно. Он Вам поможет расшифровывать послания современных художников или будет подталкивать искать заложенный смысл.

Для меня таким проводником когда-то стала Елизавета Фролова и ее блог eliz_art.

P.S. Если Вы застряли на первом шаге, расслабьтесь. Продолжайте изучать старых мастеров. И однажды современное искусство Вас позовёт. Синим запатентованным цветом Кляйна или вызывающими слезы пятнами Ротко.

Ив Кляйн. Антропометрия: Принцесса Хелена. 1960 г. Музей современного искусства (МОМА), Нью-Йорк

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

Оксана Копенкина

PS. Проверьте себя: пройдите онлайн-тест «Насколько Вы разбираетесь в живописи?»

Источник: https://arts-dnevnik.ru/kak-ponyat-sovremennoe-iskusstvo/

Как научиться рассматривать картины?

Как научиться понимать искусство и самого себя

Зачем вообще нужно искусство? Любое ― живопись, театр, кино, музыка… Нужно ли оно для того только, что бы вызывать наслаждение, радовать глаз, слух? Должно ли оно развлекать, забавлять публику? И наконец, должно ли искусство что-то воспитывать? И если должно, то что именно?

Ответы на эти вопросы мы попытались получить, обложившись объемными томами по искусствознанию, да и, конечно же, попутешествовав в просторах интернета, который, надо отдать ему должное, знает много.

Зачем нужна живопись?

Действительно, зачем нужна живопись, если есть фотография, точно отражающая реальность, тот или иной момент.

Но, пожалуй, здесь очень важно понять суть самих слов. Итак…

ФОТОГРАФИЯ, (от греч. phos – «свет» и grapho – «пишу»). В словаре Даля – «искусство снимать предметы на бумагу посредством света; светопись, солнопись», согласно словарю Ефремовой – «искусство буквального воспроизведения кого или чего-либо».

В наше современное время цифровых фотоаппаратов, мало кто не попробовал себя в качестве фотографа, начиная, практически, с малолетнего возраста. Но, вы не поверите… Было время, когда была только живопись, а о фотографии тогда даже и не мечтали. И тем не менее, фотография, не смотря на свою «фотографическую» точность, не всегда передает то, что хочет передать нам художник.

ЖИВОПИСЬ, (дословно – «живое письмо») – из современного толкового словаря: «один из древнейших видов изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность. Важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей. Идейный замысел живописи конкретизируется в теме и сюжете, и воплощается с помощью композиции, рисунка и цвета».

Фотография и живопись – чувствуете разницу?

То есть, живопись – это воздействие на мысли и чувства зрителя, присутствие ИДЕИ, это, прежде всего, творчество. Если в живописи, в каждом мазке – эмоция, жизнь, то фото – это только копия жизни. Ведь есть же разница между чтением обычной книги и электронной? Конечно, есть. Так и здесь – получаешь другие ощущения.

Возьмем для примера какую-нибудь затемненную фотографию и такого типа картину. Сразу видно, что тень от руки художника по-другому передает обстановку и по-другому отражает действительность. Стало быть, живопись – это более творчество. К слову сказать, в людях вообще заложено желание творить. Потому что все мы созданы по образу и подобию Божиему, и Сам Бог – есть Творец!

Вот почему ЖИВОПИСЬ – это действительно искусство. Вот почему и живет до сих пор.

Так зачем же нужно искусство?

Ответ очевиден, искусство – будь то живопись или музыка – это практически еще один вид общения. Ещё один из способов воспитания. Усвоив основные положения теории искусства, человек может услышать сказанное или прочитанное, увидеть нарисованное. А ведь услышать, рассмотреть – это значит, понять.

А понимание – это и есть духовная культура.

Ведь культурный человек – это такой, который строит свое поведение, решает задачи, принимает решения, опираясь на опыт предыдущих поколений.

Он знает, к чему приведут его такие-то действия, и выберет сознательно форму, манеру поведения; примет решения, которые заведомо должны привести к известным, желаемым результатам.

Да и сами желания, потребности в процессе окультуривания любого человека приобретают определенную направленность.

Искусство – неотъемлемая часть жизни. Глядя на чьи-то картины, слушая чьи-то песни, как бы открываешь для себя частичку мира этого человека, и особенная радость – когда обнаруживать, что ваши взгляды, мысли и идеи во многом сходятся.

Искусство нужно, чтоб обмениваться идеями, взглядами на жизнь, находить единомышленников, открывать для себя чье-то видение казалось бы привычных вещей, кроме того, оно дает огромную почву для размышлений: о мире, о жизни, о месте человека в этом мире…

Где ты, радость, затерялась?

И далее, совсем уж, прозаически…

Вот весьма прозаические исследования современных учёных, пытающихся научно объяснить природу нашего счастья, а точнее, химически.

По данным таких исследований, ощущение безграничного удовольствия – это сложная цепь биохимических процессов. Управляют ими особые вещества – «гормоны счастья», которые вырабатываются у человека в головном мозге.

Эти основных два вещества – СЕРОТОНИН и ЭНДОРФИН и влияют на наше настроение.

Например, о СЕРОТОНИНе:

Те, про кого говорят “светится изнутри”, не испытывают недостатка в этом гормоне. И могут чувствовать себя счастливыми вдвойне: ученые обнаружили, что этот натуральный химический элемент еще и защищает от рака! Серотонин обладает способностью “приказывать” некоторым другим клеткам самоуничтожаться. Сейчас ученые работают над изобретением метода лечения рака на основе этого феномена…

А какое это имеет отношение к живописи или искусству?

Эти научные открытия только подтверждают системную устроенность и гармоничность нас, людей, как Божиих творений. Приведём здесь ещё одни исследования ученых: оказывается больным, получавшим лечебную дозу музыки и живописи (!), требовалась гораздо меньшая доза обезболивающих препаратов. Кроме того, у них нормализовывалось кровяное давление.

В картинной галерее

А вот ещё одни итоги необычного экперимента…

А вот ещё одни промежуточные итоги необычного экперимента, который длится уже 4 года в г. Чебоксары. Акция носит название «Корпоративная культура». Несколько предприятий, участвующие в ней, устраивают выставки репродукций картин знаменитых художников. Полотна вывешиваются в столовых, вестибюлях, холлах — местах массового скопления работников.

Результаты превзошли все самые смелые ожидания: существенно выросла производительность труда, рабочие стали уравновешеннее и спокойней. В данный момент в эксперименте участвуют 23 организации в Чебоксарах, а также подключились предприятия Самары, Ульяновска и Саратова.

«К этой затее сначала отнеслись скептически, — рассказывает Федор Стрюцкий, бывший директор чебоксарского завода «Электрон». — На заводе 4 года назад было запустение. Искали новые способы мотивации людей. Тогда и появилась идея устроить на заводе художественную выставку.

Прежде всего, сомневались мастера, которые вешали репродукции известных картин: мол, все равно рабочие не оценят, картины порежут или окурки об них тушить будут. Но никто ничего не испортил. Напротив: в гардеробе, где повесили картины, люди, перестали курить! Они вообще другими стали.

Но главное — производительность труда повысилась в два раза! Экспозиция длится, как правило, четыре месяца, после чего предприятия «обмениваются» выставками.

80% опрошенных сказали, что в их душе многое изменилось. Они стали спокойнее, уравновешеннее. 93% отметили, что чувствуют эмоциональную поддержку, рассматривая картины. Ну, а больше половины сказали, что у них появились любимые художники. В рейтинг «любимых» попали преимущественно отечественные художники. Особенно полюбились рабочим картины Шишкина, Левитана и Айвазовского.

«Серотонин» в красках…

— Вот вам и «серотонин» в красках – сказали бы ученые.

— Вот вам и Божий дар – так скажет каждый верующий человек, понимая, что всё, что ни дается, всё создано, или попущено, или послано нам – от Господа. И этот дар – нужно уметь не растерять, не закопать, а сохранить и приумножить…

Как научиться понимать картины?

Как правило, судить и, особенно, критиковать искусство, берутся люди, мало разбирающиеся как в самом искусстве, так и в живописи. К таким, скорее всего, отнесет себя любой средне-статистический человек, как и написатель этого текста Критикуя, как правило, некоторые из них, вообще не желают смотреть, некоторым и вовсе некогда смотреть на картины, и думать над ними…

Попытаемся разобраться вместе, особо не умничая.

Некоторые общие положения для «чайников»:

Из книги «Начало теории живописи», Сандомирский С.М.:

«Мой скромный опыт анализа картин позволяет сформулировать критерии определения величины художественного произведения. Их два:

— первое, – значительность идеи, вложенной художником в картину и высота личности самого художника;

— второе, – мастерство художника, его умение живописными средствами выразить свою мысль. Отсюда следует, что для оценки произведения нужно знать ЯЗЫК ЖИВОПИСИ.

Гун Карлис Фридрихович. Копировальщица в картинной галерее

При рассмотрении картин необходимо быть крайне внимательным, стремиться не упустить ни одной детали, ни самого маленького предмета, памятуя опыт рассмотрения литературного произведения: одно слово, одна фраза могли предопределить или повлиять на понимание произведения. А если невозможно рассмотреть предмет на картине в силу его малости или непонятности, то сказать себе об этом. А в оценке всей картины проявлять осторожность.

Затем все внимание обращать на рассмотрение этого предмета с целью дать его исчерпывающую характеристику. Этого требовал и опыт литературных анализов, и соображение: раз художник изобразил предмет именно таким, то имел важные к тому резоны.

Итак, прежде всего, указать, назвать, выделить предмет.

Затем, рассмотрев его, определить его качества, дать ему характеристику. Цвет и свет при определении предмета и его качеств играли важную роль. Иногда этого было достаточно, чтобы связать персонажи одной мыслью и сформулировать тем самым ИДЕЮ. Но во многих случаях приходится привлекать третий фактор: композицию – взаимное расположение персонажей и предметов».

Наталия Белянова

Источник: http://www.pemptousia.ru/2012/01/%D0%BA%D0%B0%D0%BA-%D0%BD%D0%B0%D1%83%D1%87%D0%B8%D1%82%D1%8C%D1%81%D1%8F-%D1%80%D0%B0%D1%81%D1%81%D0%BC%D0%B0%D1%82%D1%80%D0%B8%D0%B2%D0%B0%D1%82%D1%8C-%D0%BA%D0%B0%D1%80%D1%82%D0%B8%D0%BD%D1%8B/

Как научиться читать образы и понимать произведения искусства

Как научиться понимать искусство и самого себя

Человек в среднем тратит 17 секунд на рассматривание экспоната в музее или в художественной галерее. Для узнавания картины требуется гораздо меньше времени. Но для её понимания… Нужно остановиться и внимательно рассмотреть детали. Это требует осознанности и напряжения внимания, но помогает увидеть то, чего не было видно с первого взгляда.

«Искусство видеть искусство» — это процесс внимательного рассматривания и глубинного, детального изучения произведения искусства.

Эта техника разработана сотрудниками Музея искусств Толедо (США).Технику можно использовать не только для изучения музейных экспонатов, но и в повседневной жизни.

 Она состоит из шести последовательных шагов: посмотреть, наблюдать, увидеть, описать, изучить и объяснить.

6 шагов техники «Искусство видеть искусство»

Посмотреть

Первый шаг — посмотреть — может показаться обычным. Но он очень важен, поэтому к нему следует отнестись внимательно. Главное — «остановить мгновение» и посмотреть на предмет или объект. Здесь важна поза и отсутствие преград для зрения — вам должно быть удобно рассматривать образ и вы должны видеть его отчетливо.

Понаблюдать

Наблюдение — это этап, когда следует ближе присмотреться к объекту. Наблюдение — активный процесс, требующий времени и внимания. В этот момент зритель мысленно «разбирает» объект на части, выделяя составляющие его визуальные элементы.

Увидеть

Посмотреть — это физический акт; увидеть — процесс осознанного восприятия. Он включает в себя узнавание или связь информации, полученной с помощью зрения, с вашими предыдущими знаниями и опытом для конструирования смысла.

Описать

Описание помогает распознать и систематизировать свои мысли о том, что вы видите. Полезно описывать так, как будто вы составляете подробный мысленный список элементов. Какие предметы, фигуры, места вы узнаёте? Начать можно с определения и описания элементов композиции объекта искусства.

Изучить

Проанализируйте детали, которые вы увидели и описали, и попытайтесь понять их значение. Подумайте, как фигуры, объекты и места, которые вы узнали, соединяются и создают единый образ, в единую историю.

Объяснить

Финальный шаг объединяет изученное и описанное с нашими предыдущими знаниями и любой имеющейся информацией об авторе и работе. Объяснение позволяет нам сделать вывод о предмете или объекте.

Разберем эти шаги на примерах.

Присмотритесь

Смотреть и видеть — это одно и то же или разница есть? В чем отличия этих действий? Если визуальная грамотность — это способность читать, писать и понимать визуальный язык, то смотреть на изображение — значит бегло читать («по диагонали»), а видеть — значит прочитать текст.

Если вы просто смотрите на изображение, то «выхватываете» отдельные элементы образа. Но если вы видите, это значит, что вы «считываете» все элементы картины. Это всесторонний процесс.

Как же двигаться от просто смотрения на картину к тому, чтобы полностью увидеть её? Оказывается, что мы начинаем замечать разные элементы зрительного образа, когда останавливаем на нем свое внимание и присматриваемся к нему. Это называется наблюдение — процесс мысленного перечисления и систематизации зрительных элементов. Это и есть «мостик», объединяющий смотрение и видение.

Опишите то, что видите

Подумайте о процессе описания как о создании подробного каталога элементов, которые видите. Для создания «каталога» изображения нужно знать язык, которым обычно описывают художественные работы. Этот язык составляют художественные элементы и принципы дизайна.

Художественные элементы:

  • цвет
  • линия
  • форма
  • пространство
  • текстура

Принципы дизайна:

  • баланс
  • акцент
  • гармония
  • движение
  • пропорция
  • ритм
  • единство
  • разнообразие

Изучите

Изучите элементы, которые вы внесли в свой мысленный «каталог», и найдите причины, по которым в изображении использованы именно они. Подумайте, как фигуры, объекты сочетаются друг другом для того, чтобы рассказать зрителю какую-то историю.

Есть разные методы анализа изображений — попробуйте их как разные пары очков, которые позволяют судить о предмете искусства с разных точек зрения. Как только детали изучены, сфокусируйтесь на том, чтобы посмотреть на работу сквозь «разные линзы очков»:

  • композиция
  • символ
  • идея
  • значение

Композиция

Композиция — это организация элементов искусства по принципам дизайна.

«Натюрморт» Ле Корбюзье (1920). Источник: www.flickr.com

В натюрморте Ле Корбюзье простые элементы составляют равновесную и при этом увлекательную композицию. Взгляд словно опирается на знакомые формы, останавливаясь сначала на круглом предмете (стилизованном барабане), затем проходя вдоль ровного прямоугольного грифа гитары, изучает мелкие детали, напоминающие клавиши трубы.

«Звездная ночь» Винсента Ван Гога(1889). Источник: en.wikipedia.org

Посмотрим на композицию «Звездной ночи» Винсента Ван Гога. Как линии и фигуры создают настроение и влияют на восприятие картины? Как создается ощущение пространства и ритма? Как элементы сочетаются друг с другом? Какой значение передает эта композиция?

Символ

Символы — это вещи, которые имеют значение из-за того, что ассоциируются или заменяют что-то еще. Они занимают значительную часть нашего понимания мира. Мы узнаем символы, основываясь на личном опыте, памяти и знаниях.

«Дама с горностаем» Леонардо Да Винчи (1489–1490). Источник: commons.wikimedia.org

Например, одна из известнейших картин Леонардо да Винчи «Дама с горностаем» заключает в себе ряд символов. На картине изображена Чечилия Галлерани, возлюбленная миланского герцога Лодовико Сфорца.

У девушки на шее ожерелье из темных бусин — символ могущественного покровителя, т.к. у герцога было прозвище Il Moro — «темный» — за смуглый цвет лица и темные волосы. Синий также символ богатства — ультрамарин в то время был одним из самых дорогих и редких красителей, т.к.

на его доставку в Европу уходило несколько месяцев (добывался в Афганистане).

Но самым насыщенным символичными смыслами является горностай: он был эмблемой рода Сфорца (еще один намек на герцога; в этом значении пальцы девушки на шее зверька — это одновременно и власть, и нежность), символ целомудрия и чистоты (по легенде такой горностай предпочитал погибнуть, но не испачкать белую шерстку) и ассоциация с самой девушкой (на греческом горностай — «гале» созвучно с именем девушки — «Галлерани»). Символична поза (есть версия, по которой девушка была беременна в момент написания картины, а горностай и положение руки скрывает беременность, но намекает на нее), поворот головы, рука и т.д.

Поиск символов в подобных картинах — увлекателен и бесконечен.

Идея

Культура и история влияют на то, что и как мы видим на картине. Во многом наша реакция на картину зависит от контекста, в котором это происходит. Что происходило в тот момент, когда художник работал над произведением? Что он хотел выразить? Как наши ценности и современные взгляды влияют на наше понимание картины?

«Странник над морем тумана» Каспара Давида Фридриха (1818). Источник: commons.wikimedia.org

Идея картины «Странник над морем тумана» Каспара Давида Фридриха считается одной из знаковых картин, воплотивших идеи эпохи романтизма.

Странник на картине воплощает байронического героя — философствующего странника, загадочного и харизматичного отшельника, презирающего ценности обществ и закон.

Идея стала крайне популярной после выхода поэмы «Паломничество Чайльд-Гарольда» лорда Гордона Байрона в Европе XVIII-XIX веков и отражалась в большинстве произведений того времени.

Значение

В процессе анализа значения работы мы понимаем цель её создания, открываем намерения художника и расширяем границы других смыслов и значений, основываясь на композиции, знаниях, воспоминаниях, опыте, истории, культуре и т.д.

Сравним картины китайского художника Вана Симона «Горы и воды на тысячу ли» (1113 г.) и русского художника Исаака Левитана (1890 г.).

Мы видим в картинах разные композиции, элементы (линии, формы, цвета) и понимаем, что исторические и культурные контексты, в которых они создавались, отличаются друг от друга, видим и непохожие подходы авторов.

Однако, идея в обоих картинах схожа — это восхищение природной гармонией, идея свободы и бескрайнего простора. Используя разные средства, художники вкладывают сходное значение в свои работы.

«Горы и воды на тысячу ли» Вана Симона (1113). Источник: en.wikipedia.org Исаак Левитан «Лесное озеро» (1890). Источник: commons.wikimedia.org

Объяснение

Объяснение или интерпретация возможна, если соединить анализ формы, символов, идей и значений. Быть визуально грамотным или «говорить на визуальном языке» означает то, что вы знаете эти факторы и не просто понимаете то, что видите, но и спрашиваете себя, почему вы это видите именно таким образом.

Винсент Ван Гог «Хлебные скирды и жнец» (1888). Источник: upload.wikimedia.org

Что вы видите на картине?

  1. Идиллическую сцену поля золотой пшеницы.
  2. Образ смерти — такой, как заведено самой природой.
  3. Документальное свидетельство изменений в связи с индустриальной революцией.
  4. Все перечисленное.

Правильный ответ — 4 (все перечисленное). Что мы видим с первого взгляда на картине Ван Гога? Возможно, энергичные, равномерные мазки кисти художника или одинокий жнец в поле. Возможно, глаза остановятся на клубах дыма над деревней на голубых холмах вдали. Что значат эти детали?

Наблюдая за картиной, окружавшей его, Ван Гог видел символические значения в полях и в фигуре жнеца. Понимание смысла, который вкладывал сам художник в картину, может повлиять на её интерпретацию.

Картина может иметь разное значение для разных людей: это зависит от личных воспоминаний, знаний, опыта человека, общества, в котором он живет, или места, где он увидел эту картину.

То, как мы понимаем картину сегодня, отличается от того, как её понимали десять лет назад и еще через десять лет будет отличаться от сегодняшнего.

Вернемся к началу

Вам знакома фраза «Одну и ту же книгу нельзя прочесть дважды»? На каждое следующее прочтение текста всегда будет влиять предыдущее. Это справедливо и к прочтению образов. Вновь посмотрим на схему «Искусство видеть искусство»:

6 шагов техники «Искусство видеть искусство»

Пунктирная линия соединяет точки «Посмотреть» и «Интерпретировать» — схема циклична. Интерпретация возвращает нас к моменту первого просмотра картины. Объект нельзя интерпретировать несколько раз одинаково — он всегда будет новым.

Источник: www.vislit.org

Источник: https://vizual.club/2017/08/27/kak-nauchitsya-ponimat-proizvedenia-iskusstva/

Как научиться понимать искусство, в частности — фотографию

Как научиться понимать искусство и самого себя

Качествотребует времени — об этом знает каждый,кто хоть иногда задумывался о сроках,не только создания, но и жизни конечногопроизведения: выйдет ли из моды, забудетсяли завтра — объективные страхи, которыесвойственны сомневающемуся уму, взглядуколлекционера и внимательному зрителю,который, стоя перед фотографией, понимаетее содержание, но… Не уверен, чтонайденное — действительно ценность.

Но все это будет не сразу, — позднее, когда появится «насмотренность», культурный опыт, — потребуется много времени, чтобы развить навык, накопить опыт; измениться.

Искусствоне терпит суеты, лени, склок (последнеенаиболее пагубно, поскольку критика,как и драка, является деструктивнымявлением, которое свойственно тем, ктоне уверен в себе).

С первого взглядаможет показаться, что искусство —средство сбережения: знаний, капитала;в определенных слоях общества,действительно, возобладало мещанство,но считать это чем-то достойным внимания— большая ошибка, поскольку «торговляфантиками» далека от миссии искусства— просвещение, вне зависимости отязыковых или географических границ.

Пониманиюискусства может научиться каждый — этовидно на примерах С. И. Мамонтова и П. М.Третьякова, — оба представителикупеческого сословия (в последующем —меценаты), но благодаря знанию собственныхкорней, верному понимаю искусства, порой«утирали нос» авторитетным искусствоведам,когда выбирали «проходные работы»,которые, со временем, к удивлениюзавистников, становились бесценными.

На мой взгляд,столь безошибочная, исключительнаяразборчивость обусловлена близостьюк авторам произведений (ведь доподлинноизвестно, что многочисленные писатели,музыканты и художники, актеры и скульпторы,всегда были желанными гостями в домеМамонтовых или Третьяковых), исключительнойсамоорганизованностью, умением смотретьна сердце, а не на лицо автора произведения(отличительная особенность зрелых духомлюдей).

Творческая«кухня», несмотря на обилие стереотипов,всегда открыта для интересных людей,но есть проблема: никто не любит, еслина нее вторгается случайный человек иначинает себя вести невоспитанно, —этим объясняется образ сферы искусства,который собрали критики и искусствоведы,на страницах своих многочисленных книг(образ, далекий от реальности, как,собственно говоря, и авторы этих«писаний»), которые целенаправленноотдаляют зрителя от сферы искусства,чтобы «посредник» никогда не осталсябез работы. Увы, но это так.

Нужносформировать себя тем, кому будут радына «кухне», — этому хочу посвятитьзаметку и уверен, что внимательныйчитатель, благодаря изложенным основам,сможет стать тем, кто, при выпавшемслучае, сможет оценить подлинный труд,— научится понимать фотографии, и станетинтересным собеседником, если емупредоставится такая возможность.

Пишу неспешно.Перечитываю регулярно. Появляетсянеобходимость — дополняю текст.

Photo by Deanna J on Unsplash

Находим оптимальную форму

Как былосказано ранее: хорошая фотографиятребует времени — на подготовку, локацииили съемочной команды; на созреваниекадра: всем известный «решающий момент»или, что куда важнее — объективноетворческое взросление автора, еговозрастание над собой (что все ещеассоциируется с технологиями, но этоошибка).

Отдельноговнимания заслуживает итоговый обликфотографии, который носит случайный и,в каком-то смысле, модный характер, нолишь до тех пор, пока автор не найдетсебя, а точнее: не подберет оптимальныематериалы для фиксирования своеговизуального повествования — фотографии.

Бумага, металл, стекло, дерево — выборматериала накладывает ограничения наусловия демонстрации фотографии:площадь, температура и мощность источниковсвета — в поисках оптимального форматапроходят годы, если повезет — месяцыкропотливого труда, в результате которогоизменяется диалог со зрителем: сокращаетсядистанция.

Шаг навстречу,но не весь путь.

Доподлинноизвестно, что каждый автор игнорируетсяровно до тех пор, пока к его работам исамой личности не проявит интерес кто-тоиз авторитетных представителей общества,— Тот, чья точка зрения поддерживаетсябез возражений. Но внезапная популярностьне гарантирует понимания.

Так сложилось, что современный ребенок растет вне национального культурного пласта и это сказывается на его умении видеть, на понимании красоты, на знании окружающего мира. Над большинством классических произведений подрастающее поколение надменно произносит:

  • Не понимаю!
  • Не то!
  • Муть!
  • Депресняк!
  • Да кто это смотрит?

Самостоятельно ничего не изменится, спустя 10-20 или 40 лет, поскольку если мы утратим не только визуальный язык, но и понимание культурных истоков, — см.

примечание на странице Записной книжки «Визуальный язык фотографии…», — то можно будет закрывать галереи (и музеи, как потерявшие актуальность «морги» искусства), поскольку рассматривание снимков, визуальных повествований, станет напоминать онлайн-прокрутку, где на каждое изображение тратится не более 3-5 или 10 секунд нашего внимания.

Почему такмало?

Интернетдавно превзошел телевидение, по степенивоздействия на духовный облик человекаи его духовное состояние, — неудивительно;ведь беспрерывное информационноемелькание, которое формирует потребностьлегкого внешнего щекотания зрительныхнервов, отучает нас от пониманиясодержания изображения, как образовательногопроцесса, который невозможен без усилиянад собой. (Только вдумчивое рассматриваниефотографии развивает мышление,способствует развитию умственнойи духовной жизни человека.)

Иными словами: современный зритель, зачастую, топчется на месте, но не досягает автора — нет встречи, нет диалога, нет понимания; есть только посредники, которые, все чаще, берутся исполнять роль испорченного телефона; поэтому, чтобы научиться понимать искусство — и в частности — фотографию, нужно:

  • исключить зависимость от «посредников-лукавых переводчиков» (об этом ниже);
  • исключить «самопальные» репродукции (будь-то онлайн подборки, в соцмедиа или, не менее искаженные, любительские скриншоты из книг, альбомов, журналов и т. п.);
  • исключить просмотр цифровых копий на любительских устройствах или мониторах, не прошедших колориметрическую настройку (лишь минимум);
  • по возможности, изучить подлинник, — при тех условиях, которые подобрал для этого автор (и понять — почему они именно такие);

Это неполные, технические условия, но только поставив себя в жесткие условия, можно, хоть не сразу, но понять, что «чего-то не хватает» и этим «что-то» будет «окультуривание себя», — работа, которую никто за нас не проделает.

Photo by Eduardo Balderas on Unsplash

Отказываемся от помощи сторонних толкований

Есть мнение,что произведение, со временем, приобретаетисторию своего восприятия, — этосвоеобразная «биография» произведения(которую мы видим: на страницах популярныхкниг, журналов, на всевозможныхинтернет-ресурсах), которая призванапоказать ценность… но на деле, еслипризадуматься, мнение масс не придаетизобразительной ценности изображениюи будет мудро, если «начинающий» зрительпроигнорирует спекулятивную тему.

Пониманиюискусства способствует общение с людьми,мыслящими серьезно, независимо —привычка говорить на равных (не гонором,но знанием), без заигрывания и бесконечного(и, в большинстве своем, нелепого)цитирования прописных истин, помогаетнаучиться говорить с опорой натеоретический фундамент — статьисследователем, а не теоретиком.

Искусствовосприятия подразумевает личностьисследователя, аналитический ум, которыйне исключает собственное индивидуальноевидение, но стремится к высокойобъективности (и с этим, конечно, нестоит заигрываться, поскольку хотьнаука об искусстве и требует от зрителяобъективности, но парадокс в том, чтобез ярко выраженной субъективной точкизрения она перестает быть наукой, иболичностное переживание — необходимыйэтап исследования). До определенногомомента эмоциональное отношение купируетразвитие восприятия снимка, но по мересистематизации умозаключений, научениюобосновывать свою оценку фотографии,в субъективной аргументированной оценкевиднеется личность, которая намногоближе автору, чем все теоретики этогомира. Шаг навстречу, но автор ещедалеко.

По мереизучения искусства, обновится списокпредпочитаемой литературы. Исчезнетрерайт (причем поверхностный) классическихавторов, «продукты самопиара» и прочиеинфо-что-то там; все ближе станет строфаТютчева:

Счастливв наш век, кому победа

Далась некровью, а умом,

Счастлив,кто точку Архимеда

Умел сыскатьв себе самом, –

Именно отказот поверхностного отрывистого восприятия,информированности, позволяет не толькоисключить манипулирование со сторонызаинтересованных лиц (игроков рынка —тут же бизнес), но и через отрицаниеобщеизвестного и заученного, сформироватьфундамент тех интеллектуальных инравственных ценностей, которые всегдапомогут сориентироваться там, где оченьчасто истинное заслоняется мнимым.

Отличнойпомощью можно считать мемуары авторов,поскольку многие из них были мастеране только образа, но и слова: отразиливремя, в которое создавалось произведение,и условия, которые повлияли на егосоздание; хороший текст позволяетугадать автора за каждым суждением,увидеть уровень его размышлений, который,если мы коснемся классиков, весьмавысок, — более уважительного и ценногодиалога со зрителем не найти.

Photo by Elijah Hail on Unsplash

Изучаем глубины содержания

Проблема фотографического мусора касается не только фотографов: многие зрители не могут поверить, что доля секунды может иметь какую-либо ценность: культурную, историческую и, что более утилитарно — документальную.

Упреки небеспочвенны.

Все большеоцифрованной человеческой плоти; бытовыесцены, утилитарные строения, виды ификсирование временного бытия — отнюдьне редкость, но и не ценность (посколькуносит исключительно протокольныйхарактер, без частички автора).

«Точнаяпередача натуры — не есть искусство!»— верно подметил Василий Кандинский,но, к сожалению, в руках фотографаинструмент фиксирования реальности, иизобразительными, сакральными свойствамион не наделяет изображение по умолчанию(необходим артефакт, от автора).

Тенденцияне изменится, по крайней мере — мировая.Уплощенная примитивная фотография —ее поддержка не иссякнет (изменить курс— разрушить индустрию), поэтому, еслихочется научиться понимать искусство,для начала — отделять его от суррогата,полезно научиться не рассеивать внимание,сформировать мировоззрение, котороесформирует глубинный взгляд, в отношенииокружающего мира и самого себя.

Примечателенопыт П. М. Третьякова, которого бы сейчасназвали идеалистом, за его навыки, вчисле которых не только стремление ксовершенству, но и более фундаментальные:

  1. Глубокий ум.
  2. Сильная воля.
  3. Величайшая сдержанность.

Как свидетельствует биограф Павла Михайловича, на этих «трех китах» базировались прочие особенности личности Третьякова. Личности, перед которой были открыты двери мастерских художников и не только. Но Павел Третьяков не был перфекционистом, он был эстетом. И его тяга к совершенству выражалась, среди прочего, в неизбывной любви к красоте — в ее самых высших проявлениях.

Такие шаги,навстречу автору, всегда «окупятся».

Photo by sean Kong on Unsplash

Понимаем свою выгоду, от весьма затратных усилий над собой

Становление личности — долгий процесс, порой незавершенный (поскольку сам по себе он и не завершится, необходимо усилие над собой).

Но из истории искусства мы знаем, что диалог с картиной, еще в эпоху Возрождения, требовал от зрителя определенной нравственной зрелости, которая стала определяющей для общества на определенном историческом этапе.

В истории мы видим существенный урок: искусство способствует преображению человека и, в равной же мере, искусство многим обязано одаренным зрителям; не будь их — не было бы не только истории искусства, но и самого искусства.

Примечательны слова, точнее — тема книги, Сергея Даниэля:

«Как восприятие искусства превращается в искусство восприятия.»

Воспитывая в себе уважение к труду, творчеству автора и его восприятию окружающего мира — мы научаемся пониманию подлинных, не банальных ценностей, и создаем атмосферу, в которой искусство способно жить и развиваться, — симбиоз, только из сферы искусства.

Симбиоз, вне которого становятсянепонятны слова Бориса Шергина:

«Есть совсем «простые сердца», потребностей кроме того как попить, поесть да поспать никаких. Эти «простые сердца» даже кино не интересуются: ведь там ничего не дают. Есть, опять, сорт голов пустых, но которым требуется чем-то заполнить эту врожденную пустоту. Поверхностная щекотка нервов в местах общественного пользования вроде всезаполняющего кино их не удовлетворяет.

Публика поцивилизованнее, интеллигенты, — этим нужен театр, лекция о научной сенсации т. п. Эта интеллигенция, всерьез, но без разбору, интересуется литературой, поэзией. Какой бы хлам ни выбросил рынок, эта «культурная публика» живет этими «новинками». У всех у них пустые сердца, пустые умы.

Но они чем-то непременно должны заполняться, заполняться извне, — книжонкой, газетой, киношкой, папироской Иначе — невыносимая, нестерпимая пустота, скука, тоска Есть люди тонкой психической организации, они любят музыку. Они знатоки и ценители ее Но где-нибудь в лесу, в хижине они не могут долго пробыть. Нужны внешние возбудители.

А между тем у человека должно быть сокровище внутри себя, должна быть внутренняя сила, собственное богатство. Человек должен светить из себя…»

Симбиоз, вне которого фотографии стали лишь капиталом (способным приносить проценты), новыми югославскими стенками, — молчаливыми свидетелями мещанского благополучия.

Мир всем, ипопутного света на местах фотографическихбаталий.

Ваш,

АндрейБондарь.

Источник: https://blog.andrewbondar.ru/kak-nauchitsya-ponimat-iskusstvo/

Поделиться:
Нет комментариев

    Добавить комментарий

    Ваш e-mail не будет опубликован. Все поля обязательны для заполнения.